Paris Soir - Collezione Haupt: Cosa rivela il denaro su di noi esseri umani

Una banconota può essere spesa, regalata, conservata – oppure trasformata in un’opera d’arte. A quel punto, il suo significato apparentemente univoco inizia a vacillare. Quel foglio di carta stampata è ancora un mezzo di pagamento, è già un oggetto da collezione o, soprattutto, il vettore di un’idea? La collezione Haupt parte proprio da questa incertezza. Il suo oggetto non è la moltiplicazione del denaro, bensì la domanda su cosa il denaro faccia alle persone e quali idee queste ultime vi associino. L’avvocato e collezionista d’arte berlinese Prof. Dr. Stefan Haupt ha raccolto a tal fine un corpus che conta ormai più di 300 opere.

Sotto il titolo «Trenta denari d’argento – Arte e denaro» si incontrano pittura, fotografia, oggetti, grafica, libri d’artista, video e arte digitale. Ciò che li accomuna non è uno stile specifico, bensì un oggetto di indagine: il denaro come materiale, promessa, ordine sociale e motivo di contraddizione. È questo che distingue questa collezione da una collezione numismatica. Al centro dell’attenzione non vi sono la rarità e lo stato di conservazione dei mezzi di pagamento, bensì la loro reinterpretazione artistica.

Un approccio attuale è offerto dalla mostra «Copertine in originale», il cui vernissage è previsto per il 15 settembre 2026 alle ore 18 presso l’Associazione delle Banche di Fideiussione Tedesche a Berlino. Saranno esposte opere selezionate, già apparse in precedenza sulle copertine della rivista «Stiftung&Sponsoring». Il curatore è il dott. Hermann Büchner. Il passaggio dall’immagine stampata all’originale solleva a sua volta una domanda fondamentale: cosa scopriamo in un’opera quando questa non circola più solo come immagine, ma si presenta davanti a noi come oggetto?

Una banconota da dieci dollari cambia la prospettiva
L’attività di collezionista di Haupt è iniziata nel 1993; inizialmente si interessava in particolare alla fotografia. I suoi incontri professionali con artisti e gallerie lo hanno portato, al di là delle questioni giuridiche, a un crescente interesse per le opere stesse. Successivamente, il denaro è venuto alla ribalta come tema unificante. In un’approfondita intervista come collezionista, Haupt ha descritto il messaggio contenutistico e la realizzazione artistica e artigianale come criteri decisivi per l’acquisto – non il valore monetario di un’opera d’arte.

Un ruolo chiave è ricoperto da «Money for Art» di Lee Mingwei. L’artista ha distribuito a diverse persone banconote da dieci dollari piegate a forma di sculture e ha osservato come queste le trattassero. Alcuni li hanno trattati come denaro e li hanno spesi; altri ne hanno conservato le pieghe. Haupt ha illustrato questo punto di partenza della sua collezione tematica anche in un’intervista pubblicata nel 2024: ciò che lo interessava era il fatto che lo stesso oggetto venisse valutato in modo radicalmente diverso dai suoi destinatari.
L’esperimento non ha bisogno di una somma spettacolare per avere una portata ampia. Chi dispiega la banconota e la usa per pagare ne distrugge la forma scultorea, ma in cambio ne ottiene un valore d’uso concreto. Chi la conserva rinuncia a tale utilizzo e opta per un altro significato. L’opera d’arte non stabilisce quale decisione sia quella giusta. Piuttosto, rende visibile il fatto che il valore non risiede solo nell’oggetto, ma nasce dal rapporto tra oggetto e persona.

In questo risiede un punto di partenza produttivo per l’intera collezione. L’arte sul denaro non deve né celebrare la ricchezza né illustrare la povertà. Può essere un esperimento in cui le decisioni quotidiane diventano improvvisamente riconoscibili come tali. Una banconota familiare è sufficiente per mettere in luce la differenza tra prezzo, bisogno, ricordo e legame personale.

Trenta monete d’argento: il prezzo non è il valore
Già il titolo della collezione contraddice una visione neutrale del denaro. I trenta denari rimandano al racconto biblico del tradimento di Giuda. Il denaro non appare qui solo come pratico mezzo di scambio, ma in relazione alla lealtà, alla colpa e all’azione venale. Haupt collega espressamente il titolo alla domanda su quale significato le persone attribuiscano al denaro rispetto ad altri valori.

Questa prospettiva impedisce che l’arte del denaro venga ridotta a immagini decorative su banconote. Diventa interessante laddove una cifra non fornisce più una risposta soddisfacente: quanto costa l’attenzione? Quanto vale un’ora di lavoro? Un prezzo può dire qualcosa sulla qualità di un’idea? E cosa succede quando il successo finanziario di un’opera diventa più importante di ciò che essa esprime?

La collezione comprende anche opere che attribuiscono al denaro una funzione sociale diversa. In Germaine Koh, una moneta con la scritta «I will» diventa portatrice di una promessa. Dadara, con «One Like/ Love», affianca alle valute tradizionali altre forme di riconoscimento. Entrambe le posizioni erano visibili nell’ambito della mostra al Bode-Museum di Berlino. Esse spostano lo sguardo dal possesso e dal pagamento verso la relazione e la reciprocità.

Una testa di pecora e la meccanica dell’attenzione
Quanto sia immediato mettere in scena la questione del valore dell’arte lo dimostra «The Value of Art – Sheep’s Head» di Christa Sommerer e Laurent Mignonneau. Un dipinto d’epoca viene collegato a un sensore e a una stampante su carta termica. La presenza degli spettatori fa aumentare il prezzo indicato. Non è un cambiamento del dipinto, bensì l’attenzione registrata ad avviare il meccanismo di aumento di valore.

L’ironia sta nel fatto che il sensore non presuppone un’analisi approfondita dell’immagine. Anche la semplice presenza può innescare il processo. L’opera può così essere letta come modello di una valutazione che confonde la visibilità con il significato. Ciò che viene spesso notato acquista peso – se questa attenzione derivi da comprensione, curiosità o caso, rimane aperto.

L’opera mette allo stesso tempo alla prova gli stessi spettatori. Chi si ferma non solo esamina una critica del mercato dell’arte, ma diventa parte del processo rappresentato. La distanza tra osservazione e partecipazione si riduce. Ciò che colpisce non è tanto l’affermazione che i premi d’arte siano fondamentalmente arbitrari, quanto la domanda più precisa su quali informazioni un premio contenga effettivamente – e quali taccia.

Un nesso affine viene espresso in una forma diversa dall’opera «Treibwerk» di Alicja Kwade del 2013. Otto monete da un euro di diverso valore nominale sono disposte in fila; i loro bordi sono stati modificati in modo tale da ingranarsi l’una nell’altra come ingranaggi. Tuttavia, le monete rimangono immobili sul loro supporto: l’apparente meccanismo d’orologeria è fermo. L’opera fa parte del patrimonio della collezione ed è stata presentata nel 2025 nella serie di opere che accompagnano l’esposizione.

Le monete conservano il ricordo della loro funzione originaria e allo stesso tempo diventano parti integranti di un altro sistema. Come interpretazione, sorge spontanea la domanda se qui il denaro sia ciò che aziona qualcosa o se sia esso stesso azionato. L’immagine di una macchina ordinata può rappresentare tanto l’affidabilità quanto un nesso dal quale le singole parti non possono sottrarsi.

Nuove acquisizioni: lavoro, tempo e il linguaggio del consumo
Le nuove presentazioni pubblicate nel 2026 dimostrano che il patrimonio non si limita a una selezione storica di noti motivi monetari. A gennaio la collezione ha presentato “Mindestlohn” (Salario minimo) di Charlie Stein, un’opera del 2011. Il punto di partenza è la riproduzione di uno scontrino, il cui significato si svela attraverso una lettura particolare. Un documento insignificante della quotidianità consumistica diventa così portatore di una questione sociale.

Lo scontrino si presta a questo scopo proprio per la sua oggettività. Esso registra il costo di una merce, ma inizialmente non dice nulla sulle condizioni in cui è stata prodotta né su quanto lavoro qualcuno debba svolgere per poterla acquistare. Nel contesto del titolo «Salario minimo», questa lacuna può essere letta come il vero e proprio oggetto dell’opera. Lo scontrino documenta uno scambio e allo stesso tempo apre lo sguardo su ciò che non compare nel suo conteggio.

A luglio è seguita la presentazione di “Il tempo è denaro – Il denaro è tempo” di Julia Herfurth. Sul foglio, realizzato nel 2017, le due frasi compaiono in una ripetizione manoscritta continua, in avanti e all’indietro. L’opera è nata nell’ambito del progetto “SWEAT SHOP”, che ha messo in scena la produzione artistica sotto pressione competitiva e temporale. Per la realizzazione di un’opera commissionata, gli artisti coinvolti avevano a disposizione 30 minuti ciascuno.

In questo caso, il nesso economico non viene illustrato a posteriori, ma interviene direttamente nel processo di creazione dell’opera stessa. La scrittura documenta un’attività che doveva svolgersi entro un intervallo di tempo prestabilito. Allo stesso tempo, l’inversione della famosa frase può essere letta come un’obiezione: il denaro può rendere disponibile il tempo, ma non può restituire il tempo della vita già trascorso. L’apparente equazione rimane diseguale.

Quando il colore del denaro appare sulla pelle
Janine Mackenroth sviluppa un approccio diverso con «THE EURO COLLECTION», presentata nel maggio 2026 come nuova acquisizione della collezione. L’artista trasferisce le tonalità delle sette banconote da un euro in una collezione di smalti per unghie. Nel concetto artistico di prezzo, i singoli smalti sono associati al valore nominale della rispettiva banconota. Il colore diventa così non solo un elemento distintivo dal punto di vista creativo, ma anche economico.

La collezione completa comprende inoltre 49 dipinti su smalto unici, che insieme alle tonalità di colore formano un’edizione da collezione. Il 2 maggio 2026, presso la galleria berlinese aquabitArt, l’esemplare n. 1/49 è stato consegnato a Stefan Haupt. Ad agosto, l’opera di Mackenroth è stata oggetto del 60° articolo della serie dedicata alle opere della collezione nella rivista «Stiftung & Sponsoring».

L’opera può essere letta come un’indagine su come lo status sociale diventi visibile. Il confine tra materiale artistico, prodotto di consumo ed espressione esteriore di sé rimane volutamente permeabile. Una tonalità di colore, che a prima vista sembra scelta in base al gusto, assume improvvisamente un prezzo e un riferimento a una valuta. Il denaro non viene raffigurato, ma tradotto in un’altra pratica quotidiana.

Nel contesto di Stein e Herfurth ne risulta una straordinaria triade. Una ricevuta d’acquisto, un foglio scritto e un flacone di smalto per unghie rimandano in modi diversi alle condizioni di lavoro, al tempo e alla valutazione sociale. Proprio la diversità dei mezzi impedisce una critica schematica del denaro. La collezione acquisisce nuove prospettive, invece di ripetere un unico argomento con immagini sempre simili.

La banconota come immagine, la valigetta portasoldi come racconto
Nella collezione, il denaro non è solo un oggetto fisico. Pete Jones analizza fotograficamente le banconote, tra l’altro attraverso la transilluminazione e vedute dettagliate fortemente ingrandite. La sua opera del 2018 «Fede | Amore | Speranza» è stata presentata nel giugno 2026 nella collana editoriale che accompagna la mostra. La banconota, a noi familiare, diventa così uno spazio visivo le cui strutture, nelle normali transazioni finanziarie, passano facilmente inosservate.

L’opera video di Karen Koltermann «Der Geldkoffer» (La valigetta dei soldi), la cui inclusione nella collezione è stata annunciata nel marzo 2026, lavora invece sull’interazione tra film e azione messa in scena. L’opera, realizzata nel 2001, monta spezzoni tratti da tre lungometraggi con una scena girata appositamente. In essa, la valigetta vuota dell’artista viene riempita da un impiegato di banca con banconote da 100 DM.

Questo confronto mostra quanto diversamente il denaro possa essere trattato dal punto di vista artistico. La fotografia trasforma il rapido riconoscimento in una visione lenta. Il video indaga le immagini e le aspettative legate a una determinata forma di possesso del denaro. Entrambi gli approcci si distaccano dalla mera rappresentazione di una somma. Si interrogano sulle concezioni culturali attraverso le quali il denaro dispiega il suo effetto.

Dalla collezione privata al dibattito pubblico
La storia della collezione è anche una storia di contesti espositivi mutevoli. Al Bode-Museum, nel 2016 e nel 2017, alcune opere del patrimonio hanno integrato la mostra «L’arte conia il denaro: MUSE MACHT MONETEN». Il Gabinetto Numismatico ha così unito prospettive storiche e contemporanee a questioni artistiche relative alla libertà, al potere e alla dipendenza economica. I prestiti provenienti dalla collezione hanno costituito uno dei tre pilastri del concetto espositivo.

Nel 2018, parte della collezione è stata presentata alle Reinbeckhallen di Berlino con il titolo «DENARO – FOLLIA – SENSO», a cura di Lena Fließbach. Mentre al Münzkabinett la vicinanza alla storia del denaro risultava particolarmente evidente, la mostra alle Reinbeckhallen offriva un ulteriore contesto per la riflessione sull’arte contemporanea dedicata al denaro. Tali cambiamenti di sede, per una collezione tematica, sono più che semplici tappe di un percorso: modificano i contesti circostanti e, di conseguenza, le possibili interpretazioni delle opere.

A ciò si aggiunge la collaborazione, in atto dal 2013, con l’Associazione delle banche di garanzia tedesche. L’arte sul denaro viene qui esposta in un’istituzione la cui attività è essa stessa legata alla finanza. Questo nesso può generare un’attrito produttivo. Le opere non si rivolgono esclusivamente a un pubblico d’arte, ma si confrontano con una quotidianità professionale in cui rischio, credito e valutazione economica sono compiti concreti.

Anche nel contesto universitario il tema è stato affrontato nel 2026. Il 27 gennaio l’Università di Tubinga ha ospitato la conferenza di Haupt “Arte e denaro – Il denaro nell’arte” nell’ambito di un ciclo di conferenze sui rapporti tra denaro, Eucaristia, scienza, arte e religione. La tematica mostra quanto la collezione vada oltre le questioni di acquisto e vendita: verso la trasformazione simbolica delle cose e verso le convinzioni che conferiscono loro valore.

«Immagini di copertina nell’originale»: dall’immagine in circolazione all’oggetto
Con la mostra di settembre, una selezione di opere torna dallo spazio mediatico alla sala espositiva. Da ottobre 2016, le opere della collezione vengono presentate nella rubrica «Stiftung & Sponsoring». La serie comprende ormai 60 contributi. Il primo è stato «A Horse Man Rode Out» di Michael Timp. Per la nuova mostra sono state annunciate, tra le altre, opere di Katharina Arndt, Thomas Baumgärtel, Dadara, Lex Drewinski, Maria Fisahn, Joachim Froese, Pete Jones, Anne Jud, Helmut King, Slava Ostap Osinski, Maximilian Roganov, Jürgen Schieferdecker, Reiner Schwarz, Jonny Star, Rirkrit Tiravanija, Philipp Valenta e Helmut Zobl.

È proprio qui che risiede una caratteristica affascinante di questo approccio espositivo. Un’immagine di copertina deve attirare l’attenzione in uno spazio ridotto. Nell’originale, invece, si aggiungono dimensioni, materiale, superficie ed effetto spaziale. Un’opera realizzata con monete si comporta in modo diverso dalla sua fotografia, un collage in modo diverso dalla sua stampa bidimensionale. La mostra può quindi essere intesa anche come un invito a interrompere la velocità della circolazione delle immagini e a riesaminare le opere.

L’accompagnamento giornalistico e curatoriale amplia questa offerta. Il sito web non solo documenta le date, ma illustra le acquisizioni, le collega a opere già presenti e rimanda a testi di approfondimento. Nel quadro d’insieme emerge un protocollo di lavoro pubblico e in continua evoluzione della collezione: diventano visibili le decisioni di selezione, le questioni ricorrenti e i nuovi procedimenti artistici.

Una collezione che mette in discussione anche le proprie condizioni
Il fatto di occuparsi di denaro non impedisce a una collezione d’arte di essere essa stessa parte di relazioni economiche. Anche le opere critiche vengono acquistate, possedute, assicurate ed esposte. Questa contraddizione non può essere risolta con un’etichettatura morale. Proprio per questo è fondamentale stabilire se le opere servano solo come conferma decorativa o se mettano effettivamente in discussione le condizioni della loro stessa circolazione.

Haupt ha ripetutamente sottolineato la priorità del confronto contenutistico. Già nell’intervista del 2016 dedicata ai collezionisti, aveva inoltre parlato del consapevole ampliamento della collezione verso l’arte digitale e le opere di artiste donne. Le nuove acquisizioni del 2026 possono essere lette, in questo contesto, come la continuazione di un’apertura a lungo termine. Esse non si limitano ad ampliare il patrimonio, ma modificano le domande che è possibile porsi al suo riguardo.

La collezione convince proprio laddove riapre ciò che appare univoco. Una banconota può essere potere d’acquisto, memoria o scultura. Un prezzo può spiegare qualcosa e allo stesso tempo nascondere elementi decisivi. Un’opera d’arte può criticare il mercato senza trovarsi al di fuori di esso. Da tali tensioni non nasce un sistema dottrinale chiuso, bensì un invito a guardare con attenzione.

Attualmente il Prof. Dr. Stefan Haupt è inoltre in trattative con l’imprenditore rumeno Alex Bodi, che desidera portare la mostra a Bucarest (Romania) e mostrarla al pubblico locale.

Il denaro quantifica ciò che può essere pagato, soprattutto nell’era digitale odierna. La Collezione Haupt https://www.Sammlung-Haupt.de rivolge proprio per questo lo sguardo a ciò che non si spiega affatto con un semplice numero.